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INFO >> 22/01/2022
Revisado el 24/01/2022
“The Legendary 1979 No Nukes Concerts”
Bruce Springsteen & The E Street Band.
Por Javier D. Taylor.
“The Legendary 1979 No Nukes Concerts”,
una película-concierto de
Bruce Springsteen & The E Street Band, con imágenes inéditas de las explosivas actuaciones de la banda en los conciertos benéficos MUSE del Madison Square Garden, ya está disponible en formato DVD + 2 CD.
Capturado durante un período ascendente pero raramente filmado de Springsteen y la E Street Band, el material en
“The Legendary 1979 No Nukes Concerts”
representa la cima y la experiencia en vivo más completa, desde el corazón de un momento álgido de la reputación de la banda. Lo más destacado del set de 90 minutos incluye el debut en directo de “The River”, apariciones de invitados como
Tom Petty
y
Jackson Browne, las celebraciones del 30º cumpleaños de Springsteen en el escenario, un exuberante gran final repleto de versiones, y las canciones favoritas en directo como “Born To Run”, “Badlands” y “Thunder Road”.
Si bien esto es buena parte del texto promocional oficial que puede leerse en muchos sitios, resulta necesario unas cuantas puntualizaciones.
La película NO es totalmente nueva.
"No Nukes" fue lanzada en cines en 1980, y años más tarde podía conseguirse en vídeo de formato VHS. (Incluso creo que hay una reedición en Laser Disc japonés, y en DVD). Lo que sucede es que en aquel film sólo había unos minutos del Boss, y
gracias a esta impagable reedición se puede disfrutar de 90 minutos de Bruce y su banda en directo.
Y en cuanto a los "invitados"...Jackson Browne era en ese momento uno de los artistas más importantes en todo el mundo, y por supuesto en los EE.UU., y uno de los rostros reconocidos (y reivindicador) de los conciertos No Nukes en el Madison neoyorquino del 19 al 23 de septiembre del 79. Conviene recordar que la organización MUSE (Musicians United for Save Energy) fue fundada por el propio
Jackson Browne, Graham Nash, Bonnie Raitt, Tom Petty
y
John Hall, después del accidente en la central nuclear Three Mile Island en Pensilvania, el 28 de marzo de 1979. Su primera acción fue organizar un concierto, con el nombre No Nukes, en septiembre de ese mismo año en el Madison Square Garden. Coincidió, poco después del accidente en la planta nuclear, que Springsteen escribió «Roulette», una canción en primera persona sobre la tragedia de Three Mile Island con la intención de que formara parte del álbum doble "The River". A pesar de que la canción no se incluyó en el disco finalmente, la inquietud de Springsteen por el tema sirvió para que los miembros de MUSE mirasen hacia el Boss.
Sólo he conocido por una fuente (por tanto algo no contrastado, pero lo cuento por su indudable interés), el hecho de que hubo en aquellos días un venta de entradas menor de lo esperado, y por ello los integrantes de MUSE invitaron al Boss a formar parte de los grupos que intervinieron finalmente en los conciertos.
Incluso se cuenta en ese relato (desconocido hasta ahora) que después de que Bruce accediera a aparecer en la portada de la revista "Rolling Stone" promocionando los conciertos, las entradas se agotaron en menos de una hora (algo raro, si tenemos en cuenta que por entonces no existía Internet como tal, ni por supuesto la venta on-line).
En suma ese relato no acaba de cuadrar, porque añado: ¿Alguien, hoy en día no empeñaría sus posesiones, castillos y propiedades, por ver en el mismo festival a los
Doobie Brothers con Michael McDonnald, Ry Cooder, Poco, Carly Simon, Crosby Stills and Nash, Nicolette Larson, Jessy Collin Young, Jane Fonda, John Hall, Sweet Honey in the Rock, Raydio,
o
James Taylor, en su mejor momento, aún jóvenes y pletóricos, aunque Springsteen no actuara con sus explosivas actuaciones?
Por último, en la página 2 del magnífico libreto que incluye el pack, hay una foto impagable del Boss caminando por una calle de Nueva York ¡¡sin escoltas!! Hoy algo impensable. Lo cual nos indica que, aunque Springsteen era un torbellino en escena, todavía no era unos de los 50 más grandes rockeros de todos los tiempos, que a día de hoy nadie discute.
LOS HECHOS
En cualquier caso, y fabulaciones a parte sobre como fueron los hechos previos al macro-festival de hace 43 años, lo verdaderamente incuestionable fue que la noche del 21 de septiembre de 1979, Bruce Springsteen irrumpió en el Madison Square Garden, el lugar en donde los músicos consagrados se empeñan en dar mucho más de lo que les pide el público, acompañado por una de las mejores bandas en vivo que hayan tocado con el Boss, y con 2 de los mejores discos de la historia a cuestas, Born To Run (1975) y Darkness on the Edge of Town (1978).
El film nos muestra a un Springsteen salvaje, casi primitivo, humorístico, cachondo, energético, quedón con el público, que se despoja de la camisa a lo
Iggy Pop,
algo impensable desde hace años, en los que sus shows han cambiado bastante.
En suma dos noches de conciertos de 3 horas cada uno, resumidos en 90 minutos para la comercialización del DVD y el álbum.
Mas cosas buenas: el paquete de dos CDs con DVD trae un libreto de 24 páginas, algo impagable para los que todavia ameis lo físico, prefiriéndolo a las descargas en streaming, visionados HD, "spotys", o como querais llamarlo. ¡ Y una reproducción de uno de los tickets del concierto (frikies de la memorabilia)!
Editada por el veterano colaborador de Springsteen,
Thom Zimny
a partir de las bobinas originales de 16mm, la película “The Legendary 1979 No Nukes Concerts” presenta por primera vez el repertorio completo de la banda en los conciertos benéficos de MUSE, incluyendo imágenes de diez actuaciones nunca antes publicadas de entre sus trece canciones.
El álbum de la banda sonora que lo acompaña, está remezclado por
Bob Clearmountain.
Finalmente aquí va la lista de canciones de “The Legendary 1979 No Nukes Concerts” del Boss:
1. Prove It All Night
2. Badlands
3. The Promised Land
4. The River
5. Sherry Darling
6. Thunder Road
7. Jungleland
8. Rosalita Come Out Tonight
9. Born To Run
10. Stay (junto a Jackson Browne,
el desaparecido
Tom Petty
y una de las mejores coristas de los USA,
Rosemary Butler).
11. Detroit Medley
12. Quarter To Three
13. Rave On
INFO 15/03/2021 >>
(Revisado el 20/03/2021)
PREMIOS GRAMMY 2021
Las artistas femeninas fueron las grandes protagonistas de la 63ª edición de los Grammy, los premios que la Academia de Grabación de Estados Unidos entregaron el pasado 14 de marzo de 2021.
Billie Eilish, Beyoncé, Taylor Swift, H.E.R.
y
Megan Thee Stallion
triunfaron este domingo, cosechando los galardones más destacados y batiendo distintos récords, en la fiesta de la música que se celebró en el centro de convenciones de Los Ángeles (California).
Taylor Swift
obtuvo el Grammy por el álbum del año (titulado "Folklore"), y se ha convertido en la primera mujer que gana dicho premio 3 veces (junto a los anteriores por "Fearless" en 2010, y "1989" en el año 2016).
Solo hay otros tres artistas con tres Grammy por álbum del año:
Frank Sinatra, Paul Simon
y
Stevie Wonder.
El premio al Mejor álbum de pop tradicional, fue a parar a "American Standard", del bostoniano
James Taylor, que ha conseguido su 10º gramófono (además de haber sido nominado en otras 12 ocasiones).
El otro gran récord lo batió
Beyoncé, que con los premios ganados este domingo se convirtió en la artista femenina con más Grammy de la historia, 28, uno más que
Alison Krauss.
Y para marcas "olímpicas", las de
John Legend, que consigue su 11º Grammy (al Mejor álbum de R&B: Bigger Love), Pero es que este pianista y compositor de Springfield (Ohio), además ostenta la cuadruple corona EGOT (Emmy, Grammy, Oscar y Tony) que
sólo poseen 17 personas en el planeta, más un Globo de Oro en 2015 (por "Glory").
La lista final de ganadores, de las categorías más destacadas de los Premios Grammy 2021, ha quedado de la siguiente manera:
* Mejor álbum pop tradicional: American Standard -
James Taylor
* Mejor Film Musical: "Linda Ronstadt
:
The Sound Of My Voice" (que recomendamos en
3guitars
en septiembre de 2019).
* Mejor álbum de rock latino o alternativo: "La conquista del espacio" -
Fito Páez
- Grabación del año: Everything I wanted - Billie Eilish
- Álbum del año: Folklore - Taylor Swift
- Mejor Performance de Metal: Bum-Rush (Body Count)
- Canción del año: I Can't Breathe - H.E.R y Tiara Thomas
- Artista revelación: Megan Thee Stallion
- Mejor álbum pop: Future Nostalgia - Dua Lipa
- Mejor actuación pop en solitario: Watermelon Sugar - Harry Styles
- Mejor actuación pop en dúo o grupo: Rain on Me -
Lady Gaga
con Ariana Grande
- Mejor álbum de rap: King's Disease - Nas
- Mejor canción de rap: Savage (Remix) - Megan Thee Stallion ft Beyoncé
- Mejor actuación de rap: Savage (Remix) - Megan Thee Stallion ft Beyoncé
- Mejor video musical: Brown Skin Girl - Beyoncé
- Mejor álbum de pop latino o urbano: YHLQMDLG - Bad Bunny
- Mejor álbum de música regional mexicana (incluida tejano): "Un Canto Por México, Vol. 1" - Natalia Lafourcade
- Mejor álbum tropical latino: "40" - Grupo Niche
- Mejor álbum de R&B:Bigger Love -
John Legend
- Mejor actuación de R&B: Black Parade - Beyoncé
- Mejor canción de R&B: Better Than I Imagined - Robert Glasper, Meshell Ndegeocello & Gabriella Wilson
- Mejor álbum de rock: The New Abnormal -
The Strokes
(la banda de
Albert Hammond Jr.,
y
Julian Casablancas)
- Mejor canción de rock: Stay High - Brittany Howard
- Mejor actuación de rock: Shameika -
Fiona Apple
- Mejor Country Solo Performance, When My Amy Prays,
Vince Gill
(gran momento el de este multiinstrumentista, ex-Pure Prairie League,
e incorporado a los
Eagles
tras el fallecimiento de
Glenn Frey).
- Mejor Country Duo o Grupo Performance, 10.000 hours -
(Dan + Shay & Justin Bieber). Probablemente la balada más melosa que ha ganado esta categoría en los 63 años que se lleva entregando.
- Mejor Canción Country - Brandi Carlile - Crowded Table
- Mejor Álbum Country - Miranda Lambert - Wildcard
- Mejor Álbum de Bluegrass - Home -
Billy Strings
(no se pierdan este joven prodigio de las 6 cuerdas).
- Mejor Improvisacion Solo Jazz - All Blues -
Chick Corea
(recientemente fallecido, el 9 de febrero).
- Mejor Álbum de Jazz Instrumental - Trilogy 2 - Corea+McBride+Blade.
INFO 26/05/2020 >>
(Revisado el 5/06/20)
HARD GZ: BIPOLARIDAD MUSICAL
Por I. Vernon
Pedro Ruibal
es uno de los raperos más destacados de la nueva escuela que existe en el panorama del rap español. Para aquellos que bucean constantemente en este maravilloso mundo de la música, Pedro es comúnmente conocido como Hard GZ (Galiza).
¿EL PEDRO DE SIEMPRE?
Desde comienzos de la década de 2010, Hard Gz no ha parado de seguir rapeando, y publicando temas nuevos como la interesante maqueta
("Infantería") (2012). Ha realizado múltiples giras, visitando gran parte de las salas de España. El pasado 17 de abril, vio la luz su nuevo trabajo titulado "Siempre" con una gran acogida, 16 tracks de rap, producidos casi todos por
Lupita's friend
(
Marcelus Fela
y
Kidd Pasto), con ese toque personal que le caracteriza y que en ocasiones resulte difícil dilucidar sus influencias, aunque podemos destacar claramente el underground.
En cuanto a los temas en solitario, destacar
"Pelapavas". Este track pone en evidencia que Hard sigue con esa potencia de letras que le define, situando diversos elementos, como la actualidad de la crisis sanitaria del COVID-19 en su métrica. Así mismo, el LP posee diversas colaboraciones, entre las que destaca la presencia de uno de los raperos que bien podría situarse en el pódium nacional: el malagueño
Delaoosa
en el tema
"Dime cuánto", en un track que asombra y paraliza, con un ritmo en el que ambos artistas se entrelazan de una manera pocas veces vista.
DESMONTANDO TÓPICOS
Hard GZ es un artista que no se encasilla. Que no le asusta el experimentar con nuevos sonidos. Que aprecia la música por lo que es, con sus diversas evoluciones. La prueba puede ser
"Postureo", un tema en el que mezcla la electrónica con el rap, algo poco habitual.
Remontándonos al 19 de julio de 2017, Hard GZ publicó bajo el pseudónimo de
Lil GZ
el tema "Crowdfungind pa´un BMW", un tema que puede calificarse claramente como trap, ese subgénero del rap tan consumido en los últimos años en España. Este tema hizo reaccionar a los oyentes, tanto de manera positiva como negativa. Las críticas negativas hacia los raperos que prueban suerte en el trap, es que se han “vendido”, principalmente debido a que es un género que se relaciona mucho con la exaltación en videoclips del dinero, los coches lujosos, con mujeres semidesnudas bailando, etc. Pero lo curioso, es que precisamente en ese momento Hard/Lil GZ estaba vinculado a un proyecto solidario, y promocionó a través de los videoclips de "Crowdfungind pa´un BMW" y del de "Secretos", un
crowfounding
para la ONG coruñesa Ecodesarrollo Gaia, la cual recaudaba fondos para construir una biblioteca en Senegal. Además, el artista estuvo en dicho país colaborando de manera física, demostrando su solidaridad en primera persona.
Para un género que está cargado de tópicos, el cantante ha demostrado que es el artista el que define quién es, y no el género musical.
Por tanto se puede afirmar que Lil se ha convertido en el alter ego de Hard, incluso con su propio canal de YouTube. Lo que comenzó como un tanteo al trap, ha llegado para quedarse firmando temas del LP de Hard GZ "Versus", así como haciéndo saber que se encuentra actualmente trabajando en un disco propio títulado "Harakiri". Este LP verá la luz este mismo año 2020, y cuenta ya con cinco temas publicados, el más reciente "
Hazme ese favor", estrenado el 1 de mayo.
REINVENTÁNDOSE
Para aquellos que siguen la escena nacional del rap, y en especial la nueva escuela, parte esencial de esta es el destacado papel que se ha dado a la autogestión de la música. Los artistas fundan sellos discográficos o se mantienen de forma independiente a pesar de estar en las listas de los más oídos (como aún se mantienen los reyes del underground Natos y Waor). Atrás quedó el fichar por el primer sello importante que pone una oferta sobre la mesa.
En el caso de Hard GZ, fue uno de los artistas cofundador del colectivo-sello
La Utopía del Norte
(quién no ha escuchado su famosa frase “La Utopía no se vende”). Hard era una de las cabezas visibles, dio voz a diversos artistas que hoy tienen un nombre propio más que conocido, como la rapera
Anier, y esta a su vez colabora en el nuevo disco "Siempre", en concreto en el track
"Castillo de Arena".
Su relación con "La Utopía..." es relevante en la carrera artística de Hard, puesto que en 2019 abandonó el Colectivo, notificándolo en un comunicado a través de redes sociales , con frases tan contundentes como esta: “Ya son muchos meses en los que me veo excluido de cualquier apoyo logístico o económico hacia mi contenido musical, a pesar de que La Utopía se lleva una comisión por cada trabajo o producto que desarrollo con mi equipo artístico”.
Así mismo no se sabe con exactitud que ha sucedido con La Utopía del Norte, puesto que artistas destacados del mismo también lo han abandonado, y este proyecto no muestra señales de vida desde hace tiempo.
Tras estos convulsos sucesos el artista ha publicado su nuevo LP, con un contrato con la multinacional BMG. No obstante, declaró recientemente en una entrevista que es un contrato controlado, en el que ha cedido menos de la mitad de los derechos del disco, puesto que no está dispuesto a perder el control sobre su música.
Tal y como puede comprobarse, Hard GZ y Lil viven en una bipolaridad que día a día saca lo mejor, musicalmente hablando, de Pedro. Manteniendo su esencia y pisando cada vez más fuerte en la escena del rap español. Pronto veremos si "Harakiri" está a la altura de "Siempre".
HARD GZ: BIPOLARIDAD MUSICAL
Por I. Vernon (Sección "Músicas Urbanas").
Pedro Ruibal
es uno de los raperos más destacados de la nueva escuela que existe en el panorama del rap español. Para aquellos que bucean constantemente en este maravilloso mundo de la música, Pedro es comúnmente conocido como Hard GZ (Galiza).
¿EL PEDRO DE SIEMPRE?
Desde comienzos de la década de 2010, Hard Gz no ha parado de seguir rapeando, y publicando temas nuevos como la interesante maqueta ("Infantería")
(2012). Ha realizado múltiples giras, visitando gran parte de las salas de España. El pasado 17 de abril, vio la luz su nuevo trabajo de estudio titulado "Siempre" con una gran acogida, 16 tracks de rap, producidos casi todos por Lupita's friend (Marcelus Fela
y Kidd Pasto), con ese toque personal que le caracteriza y que en ocasiones resulte difícil dilucidar sus influencias, aunque podemos destacar claramente el underground.
En cuanto a los temas en solitario, destacar "Pelapavas". Este track pone en evidencia que Hard sigue con esa potencia de letras que le define, situando diversos elementos, como la actualidad de la crisis sanitaria del COVID-19 en su métrica. Así mismo, el LP posee diversas colaboraciones, entre las que destaca la presencia de uno de los raperos que bien podría situarse en el pódium nacional: el malagueño Delaoosa
en el tema "Dime cuánto", en un track que asombra y paraliza, con un ritmo en el que ambos artistas se entrelazan de una manera pocas veces vista.
DESMONTANDO TÓPICOS
Hard GZ es un artista que no se encasilla. Que no le asusta el experimentar con nuevos sonidos. Que aprecia la música por lo que es, con sus diversas evoluciones. La prueba puede ser "Postureo", un tema en el que mezcla la electrónica con el rap, algo poco habitual.
Remontándonos al 19 de julio de 2017, Hard GZ publicó bajo el pseudónimo de Lil GZ
el tema "Crowdfungind pa´un BMW", un tema que puede calificarse claramente como trap, ese subgénero del rap tan consumido en los últimos años en España. Este tema hizo reaccionar a los oyentes, tanto de manera positiva como negativa. Las críticas negativas hacia los raperos que prueban suerte en el trap, es que se han “vendido”, principalmente debido a que es un género que se relaciona mucho con la exaltación en videoclips del dinero, los coches lujosos, con mujeres semidesnudas bailando, etc. Pero lo curioso, es que precisamente en ese momento Hard/Lil GZ estaba vinculado a un proyecto solidario, y promocionó a través de los videoclips de "Crowdfungind pa´un BMW" y del de "Secretos", un crowfounding
para la ONG coruñesa Ecodesarrollo Gaia, la cual recaudaba fondos para construir una biblioteca en Senegal. Además, el artista estuvo en dicho país colaborando de manera física, demostrando su solidaridad en primera persona.
Para un género que está cargado de tópicos, el cantante ha demostrado que es el artista el que define quién es, y no el género musical.
Por tanto se puede afirmar que Lil se ha convertido en el alter ego de Hard, incluso con su propio canal de YouTube. Lo que comenzó como un tanteo al trap, ha llegado para quedarse firmando temas del LP de Hard GZ "Versus", así como haciéndo saber que se encuentra actualmente trabajando en un disco propio títulado "Harakiri". Este LP verá la luz este mismo año 2020, y cuenta ya con cinco temas publicados, el más reciente
"Hazme ese favor",
estrenado el 1 de mayo.
REINVENTÁNDOSE
Para aquellos que siguen la escena nacional del rap, y en especial la nueva escuela, parte esencial de esta es el destacado papel que se ha dado a la autogestión de la música. Los artistas fundan sellos discográficos o se mantienen de forma independiente a pesar de estar en las listas de los más oídos (como aún se mantienen los reyes del underground Natos y Waor). Atrás quedó el fichar por el primer sello importante que pone una oferta sobre la mesa.
En el caso de Hard GZ, fue uno de los artistas cofundador del colectivo-sello La Utopía del Norte
(quién no ha escuchado su famosa frase “La Utopía no se vende”). Hard era una de las cabezas visibles, dio voz a diversos artistas que hoy tienen un nombre propio más que conocido, como la rapera Anier, y esta a su vez colabora en el nuevo disco "Siempre", en concreto en el track "Castillo de Arena".
Su relación con "La Utopía..." es relevante en la carrera artística de Hard, puesto que en 2019 abandonó el Colectivo, notificándolo en un comunicado a través de redes sociales , con frases tan contundentes como esta: “Ya son muchos meses en los que me veo excluido de cualquier apoyo logístico o económico hacia mi contenido musical, a pesar de que La Utopía se lleva una comisión por cada trabajo o producto que desarrollo con mi equipo artístico”.
Así mismo no se sabe con exactitud que ha sucedido con La Utopía del Norte, puesto que artistas destacados del mismo también lo han abandonado, y este proyecto no muestra señales de vida desde hace tiempo.
Tras estos convulsos sucesos el artista ha publicado su nuevo LP, con un contrato con la multinacional BMG. No obstante, declaró recientemente en una entrevista que es un contrato controlado, en el que ha cedido menos de la mitad de los derechos del disco, puesto que no está dispuesto a perder el control sobre su música.
Tal y como puede comprobarse, Hard GZ y Lil viven en una bipolaridad que día a día saca lo mejor, musicalmente hablando, de Pedro. Manteniendo su esencia y pisando cada vez más fuerte en la escena del rap español. Pronto veremos si "Harakiri" está a la altura de "Siempre".
INFO 2/03/2020 >>
JAMES TAYLOR: “AMERICAN STANDARD” (2020)
Por Javier D. T.
Justo, ahora que se cumple el 50 aniversario de la publicación de “Sweet Baby James”, uno de los Mejores Discos de la Historia del Rock, según la poco sospechosa “biblia” Rolling Stone
(*), el gigante bostoniano ha decidido publicar un nuevo disco… a punto de cumplir sus 72 primaveras. Para atacar el álbum que nos ocupa, “American Standard”, sería necesario hacer un poco de abstracción. Considere el lector lo complicado que es parir un nuevo disco, componer canciones, elegir músicos con los que interpretarlas, añadir arreglos, buscar estudios de grabación, ingenieros, producción, masterización, impresión y venta digital, publicidad, marketing, mover las redes sociales, giras de promoción, conciertos en directo ... Pues bien. James
Vernon Taylor, ha optado en esta ocasión (en cuanto al repertorio), por bucear en la memoria colectiva del público norteamericano de cierta edad, y con un poco de aliento de sus amigos en Fantasy Records, decidió probar suerte en un álbum de estándares y grabar temas clásicos que primero, a él le satisfacen personalmente, y segundo, que no sean precisamente de los más conocidos (salvo “Moon River”, de la película Breakfast at Tiffany's - Desayuno con diamantes
- ).
¿Tiene necesidad James de grabar un nuevo disco…de versiones? No.
¿Tiene la necesidad de ponerse bajo las lentes del microscopio de críticos y público, con su exitoso y longevo curriculum? Tampoco.
Lo que está haciendo el “John Ford” de la música estadounidense es…lo que le da la gana. Así de claro. Ha llegado a un momento mental en el que le da exactamente igual lo que piense el personal, y no en vano se ha embarcado en una gira gigantesca por Canadá y los USA junto a su banda sideral, y su buen amigo Jackson Browne, otro héroe americano cosecha del ´48.
En “American Standard”, James rescata temas que, en sus propias palabras “… formaban parte de la colección de discos de mi familia, la primera música que escuché cuando era niño en North Carolina. Escuchamos las grabaciones del elenco de los grandes musicales estadounidenses: “Guys and Dolls”, “Oklahoma !”, “My Fair Lady”, “Brigadoon”, “Peter Pan”, “Show Boat”, “South Pacific” ... “
Por tanto, el oyente podrá disfrutar de Richard Rodgers
y Oscar Hammerstein II, Billie Holiday (Lady Day), Henry Mancini, y otros grandes compositores norteamericanos del siglo XX.
¿Dónde grabó el disco? Pues se ha dado otro gustazo, que ya quisiéramos cualquier músico: lo “gordo”del trabajo lo ha realizado sólo (o con la colaboración del cantante y guitarrista de jazz John Pizarelli, que ha tocado guitarra de 7 cuerdas de nylon, y guitarra acústica rítmica) en The Barn, el estudio privado que tiene James en su casa de Washington (Massachusetts). Y así lo cuenta: “Mi colaborador, John Pizzarelli, es una enciclopedia viva de la mejor música popular que Occidente haya producido. Al igual que su padre, Bucky,
él es un maestro guitarrista y un genio casual y práctico. Le pedí a John que viniera al oeste de Massachusetts, (donde vivo y grabo en un gran granero en medio del bosque), para ayudarme a poner algunas canciones. Le mostraría los cambios que había encontrado para un puñado de canciones, y elaboramos los arreglos. Varios de ellos comienzan con lo que solían llamarse versos: algunos compases, a menudo fuera de tiempo, para entrar en sintonía. Estas introducciones a menudo se dejan de lado cuando las personas cubren los estándares, pero conservamos tantos como pudimos por la novedad. Nos divertimos demasiado, pero logramos grabar un par de copiones básicos cada día durante dos semanas en el otoño de 2017".
PERFECCIONANDO EL DISCO
¿Y cómo continúa el trabajo Taylor? “Mi manera habitual es mostrar mis cambios a un pianista, que lleva el arreglo a la banda. Pero había algo extraordinario en el sonido de solo las dos guitarras, y estaba decidido a mantener ese sonido en el centro de todo el proyecto.
Así que es una colección de piezas de guitarra, con solos y el apoyo de mi familia habitual de músicos que viajan y graban conmigo, y con quienes ha sido mi gran suerte compartir una vida musical: Jimmy Johnson, Luis Conte, Walt Fowler, Kate Markowitz, Andrea Zonn, Dorian Holley, Arnold McCuller, Steve Gadd, Larry Goldings y Lou Marini
(**) ”.
¿Qué me quiero juntar con otros amiguetes, que a la vez son unos musicazos del copón? Pues me acerco hasta Nashville (Tennessee), y grabo algunos arreglos en Treasure Isle Studios,
y Blackbird Studios:
“Pasamos una gran semana en Nashville, donde agregamos actuaciones de tres de los mejores instrumentistas en este (o en cualquier otro) planeta: Jerry Douglas
(dobro), Stuart Duncan
(violín), y Viktor Krauss
(contrabajista).
¿Qué soy un perfeccionista y quiero darle un toque extra? Pues me voy a pasar unos días a la soleada California, y le doy un retoque al disco en United Recording Studios, en Hollywood, y en Capitol Studios, en Los Angeles.
En cuanto a la producción (compartida por Dave O’Donnell,
John Pizzarelli y el propio James), Vernon tiene unas palabras muy cariñosas para el primero: “Necesito agradecer a mi amigo constante y más valioso, Dave O'Donnell, quien es nombrado aquí como productor. El papel de productor en el mundo discográfico puede significar muchas cosas, desde traficante de drogas hasta ingeniero y psicoterapeuta. La comparación estándar es con un director de cine. Él es el responsable, el tipo que lo ve y entrega el producto terminado. Especialmente en un proyecto como este, donde dos personas pasan la mayor parte de un año en espacios reducidos juntos, una asociación como la que Dave y yo hemos disfrutado, con su paciencia y estímulo silencioso, su valor no puede considerarse exagerado”.
Para finalizar, ¿de dónde creen que se sacó el nombre del disco? ” Jugamos con varios títulos posibles: “Used Music” ("Música usada"); “Reliquary” ("Relicario"); o “Still” ("Todavía"), pero al final, nos decidimos por la primera idea que se me ocurrió. Estas son canciones y estándares estadounidenses, seguro. Además, cuando estábamos creando el disco, teníamos cerca un fregadero de cocina con ese nombre esmaltado con letras azules, sobre la porcelana blanca: "American Standard".
(*) Aclarar lo de poco sospechosa, porque fueron los propios músicos, críticos y figuras de la industria musical (hasta un total de 273 personas), quienes emitieron una lista de 50 álbumes cada uno, y así eligieron los 500 Mejores Discos de la Historia del Rock hasta 2003. “Sweet Baby James” quedó en el puesto 104.
(**) Por cierto, añadir que estos 3 últimos músicos han estado por separado en diferentes ediciones del Festival de Jazz de Vitoria-Gasteiz. En la Edición 2020 del FJVG regresará Branford Marsalis, (que también grabó con su saxo soprano, y actuó junto a James en 1991, en el tema "Like Everyone She Knows"
https://www.youtube.com/watch?v=ojoXJugdQzQ
INFO 10/10/2019 >>
El silencio de la ciudad blanca
En exclusiva para los lectores de 3guitars, contaremos en breve el pre-estreno de la nueva película de Daniel Calparsoro, con Banda Sonora a cargo del joven compositor de Getxo, Fernando Velázquez
autor de las bandas sonoras de las películas de Juan Antonio Bayona
("El orfanato", "Lo imposible" o "Un monstruo viene a verme"), además de otros trabajos para Kepa Sojo, Nacho Vigalondo, Koldo Serra,
el brasileño Andrucha Waddington,
o "Los ojos de Julia", producida por Guillermo del Toro. Destacar en el reparto de "El silencio de la Ciudad Blanca" actores tan solventes como Belén Rueda, Javier Rey (el Sito Miñanco
de "Fariña"), y la joven Aura Garrido.
J. D. Taylor
La
pareja protagonista, en la balconada de la Catedral Nueva, sobre la Calle Prado (Vitoria-Gasteiz). Fotografía del rodaje, del 30 de
agosto de 2018.
INFO 19/09/2109 >>
John & Yoko: Above us only sky
Por fin está disponible el documental John & Yoko: Above us only sky, desde el 13 de septiembre, en DVD, Blu-ray y digital. Se trata de la película dirigida por Michael Epstein, que analiza la colaboración creativa entre John Lennon
y Yoko Ono para el álbum "Imagine". Sin duda un periodo en la vida de John que al tiempo que lanzaba su música relevante (aunque por entonces no todos los medios la saludaran con igual entusiasmo), también mandaba sus mensajes a la audiencia de aquella época. Así la película examina como el arte, el activismo, la política y la música estaban intrínsecamente enlazadas. Cuenta con imágenes restauradas y nunca vistas del archivo de John y Yoko, así como nuevas entrevistas de personajes cercanos a ellos como Julian Lennon; el fotógrafo David Bailey, quien capturó a la pareja en la fotografía que apareció en la portada de Vogue en 1971; el galerista John Dunbar, que organizó la primera exhibición de arte de Yoko en Londres y presentó a la pareja; el pionero diseñador de estudios Eddie Veale, que construyó Ascot Sound Studios en su casa; así como Klaus Voormann, Alan White
y Jim Keltner,
tres músicos que tocaron en el álbum "Imagine". Además de diferentes tomas de estudio, como una versión del "Oh Yoko!" grabada en Bahamas en 1969, así como una nueva y exclusiva entrevista con Yoko Ono.
Javier D. Taylor
INFO 4/09/2109>>
DE AKÍ A KETAMA. DE KETAMA A AKÍ (2019)
El trío Ketama regresó en enero con una revisión de su disco de 1995 "De akí a Ketama".
«Incluye materiales nuevos con colaboraciones de excepción como lo son Pablo Alborán y Jorge Drexler». Así lo contaban a comienzos de año Antonio Carmona, Josemi Carmona y Juan Carmona, que se reúnen de nuevo, más de 20 años después de la edición de dicho álbum, «Ketama regresa porque, como en aquella canción, saben lo que quieren. Por eso han decidido lanzar una edición remasterizada de ese disco que acabó por consagrarles definitivamente dentro de la música en español», decían en su nota de prensa.
«La nueva versión de De akí a Ketama incluye, además de los clásicos de su repertorio, cuatro temas producidos por Pablo Cebrián. “Loko de Amor”, es la carta de presentación de esta vuelta tan esperada. un tema que suena sin dudarlo a los tintes del exitoso trío musical que abrió el flamenco al pop y a los ritmos latinos. Una canción a la que le tienen especial cariño y que grabaron en colaboración con el artista uruguayo Rubén Rada en 1998. “Ángel Caído” es un tema de Antonio Vega, amigo de la banda y que participó en la grabación original, con el que ahora Ketama rinden tributo a otro de los grandes de la música española. El tercero de los temas es la nueva grabación de “El problema”, uno de los éxitos de su carrera, para el que han contado con la colaboración de Pablo Alborán. Para la nueva grabación de “Vente pá Madrid”, otra de sus canciones inmortales, el invitado es Jorge Drexler».
Con la exitosa gira del trío, dando la vuelta por toda España, (tal y como contamos el pasado 21 de agosto, sobre el apoteósico éxito de su paso por el Flamenco on Fire de Pamplona), este disco cobra ahora más sentido y una dimensión mayor, que en el momento de su lanzamiento, hace ahora ocho meses.
Javier D. Taylor.
INFO 24/08/2109>>
The Police. (Everyone Stares. The Police Inside Out). 99 min.
Curiosa pieza documental, de ritmo extraño (que fue presentada en el Festival de Sundance), y que encantará a l@s fans de The Police, ya que el batería del trío (Stewart Copeland), desde las entrañas del grupo nos mete en su día a día, comenzando por la etapa en la que vivieron en Nueva York, sus primeras giras americanas, las primeras por el Reino Unido..., y las reacciones de todo el mundo antes sus primeros exitazos, tanto de público, radios o de su compañía discográfica en USA, así como de los fans londinenses o alemanes, que los aclamaron bastante después que el público yankee, ... y un largo etcétera de aventuras por todo el planeta.
El material es de calidad Super 8, (puesto que procede de la cámara que Copeland se compró con uno de sus primeros sueldos en 1978), y eso le da por un lado más autenticidad, y por otro un toque neorrealista a la película.
Y de entre la música que se puede escuchar, destacar versiones de estudio de grabación originales, raras actuaciones en directo, y siete temas "desechados" de temas clásicos del repertorio de Police que aparecen únicamente en este film.
También se puede apreciar la técnica y la pegada de Stewart Copeland durante las actuaciones, convirtiéndolas en auténticos conciertos punk, una imagen a priori muy alejada de las grabaciones en disco, teñidas de un sonido pop-rock "new wave", marcado por influencias reggae y jazz.
Finalmente, en los Bonus aparecen 20 minutos de extras contados por el guitarrista Andy Summers, y el propio Stewart.
Por Javier D. Taylor.
SECCIÓN "CARA B"
(UNA NUEVA SECCIÓN QUE ABRE NUESTRO COMPAÑERO JESÚS MARTÍNEZ).
En CARA B, lo que se pretende es dar un nuevo punto de vista, un giro más al tornillo, de manera que podamos rascar un poco en la superficie y mirar más allá, como Alicia asomándose al otro lado del espejo... Hoy, comenzamos con la otra cara del batería de The Police - autor del documental "The Police. (Everyone Stares. The Police Inside Out)" - , y de su peculiar familia...
INFO 7/09/2019 >>
STEWART COPELAND, EL POLICÍA Y LA C.I.A.
Para cuando el único rubio natural de la banda The Police había llegado a Londres, (esto es mediados los años ´70, cuando contactó con Henry Padovani,
y Gordon Matthew Sumner), ya tenía en sus botas recorridos más kilómetros que el baúl de La Piquer. Y no sólo por sus propias inquietudes, sino porque su vida familiar le llevó a moverse por paises de Oriente Medio, ya que el trabajo de su padre Miles así lo requería. La C.I.A. necesitaba los servicios del progenitor de Stewart más allá del Atlántico, en una zona en plena ebullición política. No era raro que papá Copeland compartiera mesa y viandas con personajes como Abdel Nasser (presidente de Egipto desde el ´54 al ´70. Gracias WIKI).
Transcribo esta declaración de Mr. Copeland tal cual: "... A diferencia del New York Times, Víctor Marchetti y Philip Agee, mi queja ha sido que la CIA no está derrocando suficientes gobiernos antiamericanos o asesinando a suficientes líderes antiamericanos, pero supongo que me estoy haciendo viejo".
El papi también intervino en operaciones encubiertas como el golpe de estado sirio de marzo de 1949, y en el de Irán del ´53. (Gracias otra vez Wiki). Así que con estos antecedentes familiares, y habiendo heredado la vena musical de su padre (que sopló la trompeta en la banda de Glenn Miller), y de su madre arqueóloga, podemos concluir que el bueno de Stewart procedía de una familia nada convencional. Como lo es él. Un amante del polo y del patinaje, pero sobre todo un batería único e irrepetible, que entre otras decenas de historias, no dudó en cogerse los bártulos e irse a África a grabar ritmos de las tribus, o crearse un alter ego (Klark Kent) y tocar su música escondido tras una máscara... Sólo un par de pasajes de este investigador de percusiones y ritmos.
Resumen: nos encontramos ante un personaje con una vida muy fuera de lo común, además de ser un apasionado de ponerse detrás de una cámara de cine aficionado. Eso lo llevó a grabar kilómetros de película, donde narraba en imágenes y desde dentro al grupo The Police, la banda que él fundó en Londres (y no Sting
a pesar de la creencia popular), y que por cierto, durante una época fue cuarteto. Pero bueno, eso es otra historia. Así si os apetece conocer de primera mano las andanzas del grupo, se ha pubicado "The Police. (Everyone Stares. The Police Inside Out)", o lo que es lo mismo, los entresijos de una de las bandas más grandes, y que nos narra en imágenes Stewart Copeland.
Jesús Martínez L.
INFO 30/07/2019 >>
Tequila es una de las bandas más importante del Rock and Roll español, de todos los tiempos…y efectivamente…estaba integrada por un 40 % de argentinos, probablemente los más talentosos del quinteto. Así de raras y fascinantes son las cosas en el mundo de la música, y por eso millones de melómanos llevamos toda la vida enganchados a una guitarra, una estrofa o un/a cantante que nos vuelve loc@s. Eso es precisamente lo que movió a Alejandro Stivelberg, recién llegado de Buenos Aires huyendo con su familia de la dictadura argentina, lo que le llevó a juntarse con el talentoso Ariel Eduardo Rotenberg, con Felipe Lipe al bajo, con Manolo Iglesias a la batería, y el guitarrista Julián Infante. Así, entre los cinco escribieron algunas de las páginas más divertidas y fascinantes del rock en español. Cierto es que por mor del propio rock y de un cierto estilo de vida, a veces se debe pagar el más alto precio, y así Manolo falleció con tal sólo 38 años, y el manchego Julián Infante, a los 43.
En cualquier caso, apuntar como anécdota, tal y como reconocía Alejo en entrevista reciente, que Tequila era un nombre artístico que nunca le convenció, por lo que el resto del grupo le propuso que al día siguiente llevara otras ideas. Alejo se presentó con unos folios en los que proponía otras 100 alternativas…y ninguna les gustó, así que siguieron con ese nombre "tan poco comercial", y que tan poco agradaba a Stivel…40 años después y varios cientos de miles de discos vendidos, ya son Historia con mayúscula del rock en español.
Pero como si de un corte de mangas se tratara al destino a veces cruel, Alejo y Ariel decidieron cuatro décadas después de aquellos primeros éxitos, grabar “el primer disco en directo” de Tequila, el primer disco de un grupo que se fundó recién muerto Franco, y antes de que existiera la actual Constitución, y antes de que se iniciara la década de los 80s, por lo que el quinteto no tuvo nada que ver en lo musical con la Movida Madrileña, ni con la Nueva Ola,… simplemente amaban el rock and roll de verdad, y emulaban con su estilo porteño/madrileño a los Rolling Stones más cachondos y desenfadados.
“Adios , Tequila! En vivo”
“Adios , Tequila! En vivo”, es el testimonio en directo de lo que fue aquello, contado por dos de sus protagonistas (Felipe Lipe, prefirió en 2008 no volver a actuar con el grupo, que por entonces volvió a girar). Este álbum doble y DVD fue grabado en el Palacio de los Deportes de la Comunidad de Madrid, acompañados por algunos amiguetes, como el enorme Fito Cabrales, Carlos Tarque y Ricardo Ruipérez (M-Clan), Leiva (cada día más grande y más Keith Richards), Juancho de Sidecars, y Guada Álvarez.
Este trabajo se convierte así en el primer disco en directo del grupo, y recoge sus auténticos "himnos generacionales", publicados entre 1978 y 1981 (sólo 3 años y 4 LPs), que atesoraban Dime Que Me Quieres, Me Vuelvo Loco, Quiero Besarte, Salta!!!, Rock and Roll En La Plaza Del Pueblo, Necesito un trago... A ello se suma la interpretación en directo de Yo Quería Ser Normal, su primera canción nueva en 35 años que forma parte de la banda sonora de la película Superlópez.
Lástima, que para algún fan del grupo sólo falte una canción en este álbum triple: "Todo se mueve” (1979), pero en esa imperfección, precisamente reside el encanto del Rock.
Por Javier D. Taylor.
15/07/2019 >>
The Rolling Stones - Bridges To Bremen
SHOW INÉDITO EN VIVO GRABADO EN ALEMANIA, MÁS CUATRO BONUS TRACKS DESDE CHICAGO. RESTAURADO, REMEZCLADO Y REMASTERIZADO.
“Bridges To Bremen” es una película inédita hasta ahora, sobre un concierto filmado en el Weserstadion, hace más de dos décadas, y que ha sido completamente restaurada, remezclada y remasterizada, y que está disponible en DVD, Blu-ray, DVD + 2CD, Blu-ray + 2CD, triple vinilo y Digital.
“Bridges to Bremen” captura el show completo de la última etapa de la gira del álbum Bridges to Babylon que durante un año llego a 4 millones y medio de fans. The Rolling Stones, siempre innovadores, introdujeron dos cambios significativos en “The Bridges To Babylon Tour”:
- Era la primera vez que la banda salió de gira con un escenario “B” permanente,
- Y también la primera vez que los fans pudieron votar en el sitio web de la banda el track que querían escuchar en el show – “Memory Motel” en este caso - haciendo que cada show de la gira fuera único.
El 2 de septiembre de 1998,el espectáculo de Bremen fue filmado en la Weserstadion con 40-000 fans a los que la banda ofreció 155 minutos de Rock 'n' Roll sin adulterar. “Bridges To Bremen” se grabó por los Stones en la quinta y última etapa del The Bridges To Babylon Tour cuando la banda ya había completado cuatro etapas en estadios de América del Norte (dos veces), Asia y América del Sur, antes de aterrizar finalmente en Europa a principios de ese verano.
Esta película se ha restaurado meticulosamente desde los masters originales, y el audio se ha remezclado y remasterizado desde las grabaciones multipista en vivo.
Cuatro canciones de las actuaciones del grupo en Chicago. se incluyen como Bonus tracks en todos los formatos visuales físicos, sumando otros 14 minutos extras.
Por último, apuntar que en el formato DVD + 2CD, además se pueden disfrutar los audios de los 22 temas que interpretan en directo en Bremen.
por Javier D. Taylor
6/07/2019 >>
Carole King: Live At Montreux 1973
MINIMALISTA, AUTÉNTICO, SIN SOBRE-PRODUCCIONES, HONESTO A RAUDALES, SIN ALARACAS... MÚSICA AUTÉNTICA SIN MÁS, CONSTRUIDA DESDE LAS TRIPAS Y LA PROFESIONALIDAD DE UNA DE LAS MÁS GRANDES COMPOSITORAS DE LA HISTORIA DEL ROCK.
Carole King: Live At Montreux 1973 es el concierto inédito, del primer espectáculo de Carole King fuera de los Estados Unidos (a la edad de 31 años), en el Montreux Pavillon como parte de este mundialmente famoso Festival de Jazz.
Lanzado por primera vez, este show fue grabado dos años después del álbum“Tapestry” que alteró el curso de la historia del pop y un mes después del lanzamiento del álbum “Fantasy”. Carole se presenta con una sincera energía, interpretando clásicos como “It’s Too Late”, “I Feel The Earth Move”, “You Have Got A Friend”, además de pistas destacadas de Fantasy – “Believe in Humanity” y “Corazón” – y respaldada por un conjunto de excelentes músicos, como Clarence McDonald,
pianista que giró durante los años ´70s junto a James Taylor, uno de los mejores amigos personales y profesionales de CK con el que ha actuado en innumerables ocasiones, y con el que protagonizó hace tan sólo nueve años, la gira Troubadour Reunion, que fue la primera o segunda que más dinero recaudó en EE.UU., superando a las "beyoncés", "lady ga gas", u2, y compañía.
Apuntar como anécdota, que King actúa la mayor parte del concierto de 1973 sin estar arropada por sus músicos de acompañamiento, es ella sóla, con un piano, y practicamente sin maquillar, con una iluminación espantosa, lo que hace de esta actuación de la compositora neoyorkina, un documento tan auténtico como único.
Carole King es una de las compositoras más exitosas del siglo XX, ha ganado 10 premios Grammy y vendido más de 75 millones de discos.
ENLACE A TRAILER PROMO EN YOUTUBE >>>>>
por Javier D. Taylor
25/06/2019 >>
Hace aproximadamente un año, y como si de una señal premonitoria se tratara, Eagle Rock Entertainment, y Universal Music Group, lanzaron en el mercado español esta maravilla musical - en formato DVD-, titulada "DARYL HALL & JOHN OATES: LIVE IN DUBLIN",
filmada en el Olympia Theatre el 15 de julio de 2014.
Además de tener un setlist insuperable, que incluye casi todos sus grandes éxitos, esto es...
Maneater
Out Of Touch
Say It Isn't So
Family Man
It's Uncanny
Back Together Again
Las Vegas Turnaround
She's Gone
Sara Smile
Do What You Want, Be What You Are
I Can't Go For That (No Can Do)
Rich Girl
You Make My Dreams
Kiss On My List
y Private Eyes,
también aparecen algunos extras, como una entrevista con Hall and Oates, redondeando un producto que cualquier fan, nunca creyó posible que fuera a publicarse.
Un perfecto complemento para seguir los conciertos de este dúo magistral de Filadelfia.
por Javier D. Taylor
CINE-ROCK
(ESTRENOS)
El copyright de las imágenes pertenece a sus respectivos autores y/o productoras/distribuidoras.
24/05/2019 ECHO IN THE CANYON
19/07/2019 DAVID CROSBY: REMEMBER MY NAME.
6/09/2019 LINDA RONSTADT: THE SOUND OF MY VOICE
https://www.youtube.com/watch?v=eDMYAsu5PvI
